En el día internacional de las personas con discapacidad es un orgullo para todos los que formamos el equipo de Artya! presentaros a Fernando Muzas y José Manuel Pacual más conocidos como los “malasaños”. Recientemente pudisteis ver la calidad de los trabajos de los chicos con discapacidad con los que trabajan en la exposición:“Arte+válido Jardines impresionistas”.

Para que conozcáis un poco mejor a estos dos magníficos profesionales que han dedicado su vida a formar a personas con discapacidad os dejamos una entrevista realizada por el equipo de Artya!:

¿Desde cuándo trabajáis con personas con discapacidad? ¿Cómo surgió la idea de dedicaros a la formación plástica dirigida a este colectivo?

Empezamos en el año 1982 en el Taller Ocupacional Bellasvista de Alcorcón, T.O.B.de la Asociación APANSA  de  Alcorcón.

Pertenecíamos al colectivo Taller Malasaña dedicado a la artesanía artística y a la escenografía teatral y fuimos contactados por la asociación APANSA para la creación de un taller ocupacional de juguetes educativos y artísticos. Tras la realización de programaciones formativas y productivas, se decidió aplicar unos programas creativos para que los  usuarios crearan los diseños. La última exposición ” Un tren para todos” -1995, se realizó en el Museo del Ferrocarril.

 

Acrílico sobre madera

¿Cuándo comenzó el proyecto del CO de Ajalvir?

Tras unos años dedicados a la creación de talleres artísticos y formación de monitores para el Cabildo de Tenerife, “Os Malmequeres de Leiria (Portugal) y Cooperación Internacional en Mostar (Bosnia), somos requeridos por la Fundación CAMPs para la creación de un Taller Ocupacional de Artes Plásticas  en su centro Miguel Montalvo inaugurado en 1999.

¿Cómo surgió la idea de trabajar acerca de Jardines Impresionistas?

Dentro de nuestro método de trabajo está la visita a museos y exposiciones y tras la realizada con nuestros usuarios a dicha exposición, Museo Thyssen – Caja Madrid, se detectó que las obras contenían  características afines al gusto y trabajo de nuestro taller (amor a la naturaleza, paisaje, luz, color…) nos pusimos a trabajar sobre el tema.

Acrílico sobre madera(2012)

¿Qué tipo de chicos son los que han realizado los trabajos?

Usuarios de edades comprendidas entre los 24 y 60 años, de diversos niveles y algunos con discapacidades asociadas.

Cuántas obras habéis expuesto en Moda Shopping? ¿De qué géneros? ¿Cuántas se vendieron? ¿Los artistas cobran algo?

Un total de 78 obras de paisajes realizadas en relieves de madera, acrílicos, collage y técnica mixta, de las cuales se han vendido 56.

Una vez cubiertos gastos, los beneficios se reparten entre los artista, según su nivel de participación.

¿Qué otros trabajos habéis desarrollado anteriormente?

Se ha trabajado sobre diverso pintores, Van Gogh, Expresionismo alemán, Matisse, Goya, Escher… Temáticas propias como el entorno rural y urbano de Ajalvir, el árbol y el bosque, la dehesa, la figura humana en parejas y grupos,… que han dado pie a la participación en diversos concursos y a la realización de nuestras exposiciones.

¿En qué estáis trabajando ahora?

Estamos trabajando sobre el tema del Paraíso creando obras originales documentadas en diversas culturas y estilos artísticos.

Acrílico sobre madera(2012)

La serie “Raíces, piedras y huesos” de Román Eguía nos remite a la zona árida del norte de México, a ese desierto del cual es originario y lo expresa en cada uno de los aguafuertes de esta serie.  Su cuidadoso trazo y la pulcritud de su técnica de grabador nos otorgan una serie explícita y concreta sobre los objetos, flora y dejes de la fauna encontrados en el desierto de Coahuila. “Raíces, piedras y huesos” prioriza el sentimiento de lo propio, auténtico y figurativo sobre lo conceptual. Es una producción que inclusive resulta didáctica más allá del valor estético y ornamental, reconociendo al grabado como uno de los medios utilizados en el medioevo para la educación de la población. En este caso Eguía reivindica un pasado y contextualiza un presente en el que ser reconocido y respetado.

Es inapelable el compromiso que Eguía muestra por las técnicas del grabado y el dominio que tiene sobre ellas, aunque también es tangible su necesidad de introducir materiales e instrumentos de otras profesiones como la joyería y la carpintería como medio de expresión artística en su obra, este es el caso de la serie “Las Horas”, su producción más reciente, en la cual se percibe la evolución del artista en cuanto a representación de temas etéreos y a la vez cotidianos.  Esta carpeta consta de aguafuertes que plasman el gozo por la contemplación del paso del tiempo y del silencio como música interior.

Frecuentemente la obra de Román Eguía nos lleva a la abstracción e introspección por medio de obras cargadas de fuerza narrativa; ambas series muestran claramente una investigación a priori  y un exquisito criterio estético.

By colaboradora artyana: Norma Hernández Vanegas

Cartel de "Coleccionismo a tu alcance"Conozco a mucha gente interesada por el arte, que acude regularmente a exposiciones e incluso a muchos que han estudiado historia del arte. Sin embargo de todos ellos son muy pocos los que conozco que coleccionan.

Creo que erróneamente mucha gente confunde ser coleccionista con tener muchos ceros en la cuenta bancaria o ser un snob petulante. El coleccionismo tiene distintas escalas y niveles y no tiene o no debería tener su razón de ser en la especulación, eso mejor dejárselo a fondos de inversión.

Aunque suene cursi, la esencia del coleccionismo está en el enamoramiento, un flechazo a primera vista que nos atraviesa la retina y nos impide dejar de mirar esa obra, objeto de nuestro recién encontrado deseo. Lo bueno es que si nos la podemos llevar a casa, podremos disfrutar nosotros y los que nos acompañan de ella el resto de nuestra vida.

Diréis que ese flechazo lo habéis sentido en museos a los que habéis visitado ante obras celebérrimas (imposible llevárnoslo a casa), pero si habéis visitado galerías o ferias seguro que también lo habéis experimentado. El factor precio os habrá puesto los pies sobre la tierra en más de una ocasión, pero no todas las galerías son la Gagosian, ni todas las ferias son Art Bassel. El arte emergente – y no tan emergente- nos sorprendería si conociésemos sus precios; mucho más asequibles y a la altura de nuestros bolsillos.

A pesar de ello, muchos sostienen que el arte es de todos, ha de ser compartido y abogan por su gratuidad. Eso está bien como concepto cuasi filosófico, pero hasta que la fundación X o el museo Y lleguen a comprar la obra de ese artista que empezó siendo emergente y ha acabado dando el campanazo, de algo tendrá que vivir la criatura artista y la criatura galería que apuesta por ella.

Por eso tengo que decir que me indigna cuando veo a gente joven (y no tan joven) que dice interesarse por el arte y hasta se enamoran de una obra, pero es reticente a comprar arte por el mismo precio por el que sí se comprarían unas deportivas último modelo o un ipad en tiempos de crisis.

Cada cual es muy libre de emplear su dinero en aquello que más le plazca, pero no vale entonces poner excusas para coleccionar arte esgrimiendo que es un lujo que no nos podemos permitir.

By artyana: Laura García Aranda

Tras la entrega de premios Arte y Mecenazgo la tarde de ayer, ya eran muchos los medios, online claro está, que se hacían eco de la noticia. Si en líneas generales el titular más leído era algo así como: La Fundación Arte y Mecenazgo entrega sus premios en el CaixaForum; no se puede decir que sea un titular para echar cohetes. Cierto es que se corresponde con el titular de la nota de prensa oficial por La Caixa que para algo son quienes han montado todo este tinglado y hacen bien en narrar el evento según su prisma. Buen trabajo por parte de comunicación de Obra Social La Caixa a quienes les han “retuiteado” periodísticamente todos los medios.

Sin embargo, este post no va de lo bien o mal que lo hagan en prensa de La Caixa. Siempre que la ocasión lo merece, más allá del copia-pega a las notas de prensa hay vida.  Por eso, siempre que hay noticia, todavía se encuentran artículos firmados por un periodista que busca un ángulo diferente desde el que contar las cosas.

Por suerte para el público y por desgracia para los corporativismos que rehúyen de polémicas, hay medios que han ido un poquito más allá y ofrecen otras visiones, otras declaraciones… otros titulares. ¡Aún hay esperanza para el periodismo! o sencillamente cuentan con gente suficiente como para asistir a estos saraos y darle luego a la tecla a todo meter.

Entre estos últimos medios con titulares divergentes, me ha llamado la atención el de Ángeles García de El País Cultura que titula: Asins, Alvear y Lorenzo, tres pioneras en nombre de la cultura. Sólo el título hace alusión a dos aspectos que definen estos premios de manera  clave: mujeres y cultura. El resto del artículo en el que se habla de la polémica sobre la necesidad de un ministerio de cultura separado de educación y deporte es un buen gancho que liga con la actualidad política en materia cultural, pero que a mi modo de ver está metido un poco con calzador; algunos dirán que con cierto tinte ideológico. Ahí ya no me meto.

Sea como fuere, artículos firmados como éste demuestran que la cultura aún es noticia, incluso objeto de polémica y lo que es aún más importante: premiar el arte es un valor en alza.

By artyana: Laura García Aranda

“El mapa y el territorio” (“La carte et le territoire”). Panorama de narrativas. Ed. Alfaguara.

Acabo de terminar de leer la novela de Michel Houellebecq, ganadora del premio Goncourt, uno de los premios literarios franceses más prestigiosos y, por las reseñas que aparecen en la contraportada, saludada por la crítica internacional con entusiasmo,  mi primera reflexión es que esta novela son muchas novelas en una.

¿Una novela sobre el arte del siglo XXI? Sí.

¿Una novela policíaca? Sí.

¿Una obra futurista? También.

¿Un homenaje laudatorio, bastante ególatra por cierto, del autor? También.

Así que, la primera conclusión a la que llego, es que se trata de una obra plural, en cuanto a sus líneas narrativas, algunas más desarrolladas que otras, pero que, en conjunto,  peca en mi humilde opinión, de intentar abarcar demasiados temas para una obra de menos de 400 páginas.

Podría decirse que esta novela  contiene el germen de, al menos, tres novelas distintas:

El policía y su relación con el mundo del crimen; el futuro de Francia como paraíso turístico, incluyendo el turismo sexual y; la evolución final de nuestro artista protagonista, Jed Martin, que el autor despacha en unas pocas líneas, pero cuya obra (de la que nada se dice) acaba colgada ni más ni menos que en el MOMA.

Ciñéndonos a la parte de la novela que más puede interesar a los lectores artyanos, la que trata de Jed como artista, mi opinión es que:

  • Houellebecq conoce en profundidad las técnicas fotográficas, pero no valora la fotografía como medio de expresión articular.
  • La pintura, más aún, la pintura figurativa, es para este autor el paradigma del Arte: Jed se valora como Artista (con mayúsculas) sólo cuando abandona la fotografía y se pasa a la pintura.
  • La idea que tiene  Houellebecq del mercado del arte es, cuando menos, pintoresca, y parece inspirada en los cuentos de las mil y una noches.

Por otra parte, hay que decir que la novela se lee muy bien, que la traducción es excelente y que, salvo por las excesivamente numerosas referencias a la “intelectualidad” francesa, demostración del chauvinismo del autor, el lenguaje es, al mismo tiempo, sencillo y culto.

Leedla si podéis y contrastemos opiniones.

Saludos Artyanos.

Posted by artyano: Luis Torralba

Artyanos, si alguna vez os habéis preguntado cómo se revienta una exclusiva dentro del mundo del arte, contamos con un caso práctico reciente del que se puede aprender mucho: la noticia de la Gioconda gemela del Prado.

La historia ha tenido miga; bueno, miga, un experto invitado bocazas, reventón de exclusiva y un titular dando la vuelta al mundo. Una combinación magistral para añadir a la colección de leyendas del cuadro de la Mona Lisa, cuya fama mundial en la contemporaneidad no viene dada por su autor, sino más bien por su robo del Louvre en 1911.[i]

Volviendo a nuestro caso práctico, la noticia no la da el Museo del Prado, se la revienta el diario The Art Newspaper (británico tenía que ser), unas semanas antes de la presentación oficial programada para finales de este mes. De ahí que aún a día de hoy, no haya ninguna nota de prensa ni documento similar en la sala de prensa de la madrileña pinacoteca.

La información se recoge de una conferencia sólo para investigadores, que tiene lugar en la National Gallery de Londres con motivo de la blockbuster de Leonardo, Pintor en la corte de Milán. Entre los expertos a este encuentro hay un invitado por la National que trabaja para un medio, a que adivináis cual. Pues sí, aunque esto no está confirmado, tuvo que ser para The Arts Newspaper.

“Reventón” del año para el Prado y en parte para el Louvre, donde la nueva Mona Lisa visitará a la de Leonardo en breve. Me pregunto si hubiera habido reventón de haber sido la Tate o la misma National Gallery…

En fin, estas cosas pasan y a veces de la manera menos esperada, pero lo importante es saber reponerse y actuar con rapidez y sentido común. A mi entender artyano, el Prado no sólo se ha venido arriba rápidamente, sino que la misma tarde del “reventón”,  ya estaban el señor Zugaza y el señor Falomir presentando a la gemela en una rueda de prensa casi improvisada, mientras su twitter echaba humo contestando a los seguidores e informando sobre el acto a tiempo real. ¡Olé! Eso es “coger el toro por los cuernos”, como publicaba ayer El País en su artículo El Prado en primer plano.

Moraleja: ante un reventón así, actúa rápido y siguiendo el protocolo de crisis. De esta manera es como se consiguen titulares con las palabras de tus portavoces y no con las de quienes te reventaron la noticia. Así es como el Prado ha logrado en tantos y tantos medios el tan deseado
titular de: “El Prado descubre su propia Gioconda”.

Posted by artyana: Laura García Aranda


[i] La Gioconda de Leonardo fue robada en 1911 por  el argentino Eduardo de Valfierno y el italiano Peruggia. Lo sucedido en aquel entonces es el argumento de la película Il ladro della Gioconda de 1966 y el de La Banda de Picasso que ha empezado a rodarse recientemente.

Tengo una amiga que desde hace años alberga en su casa una curiosa colección. Fan de Matel hasta la médula, desde su más tierna infancia ya coqueteaba con el objeto de su colección. Las mundialmente famosas muñecas Barbies, aquellas con las que jugábamos de pequeñas antes de que apareciesen en escena las terribles “Monster High”, fueron para ella una manera de descubrir mundo (con Barbie Kenia o Barbie Chile), de conocer profesiones (Barbie doctora o Barbie vigilante de la playa), incluso de descubrir épocas pasadas (con Barbie años 20 o Barbie medieval), pero también ha sido una manera de aferrarse a una estética que nunca ha dejado de encandilarla.

Sea la colección de arte contemporáneo de Charles Saatchy, sea la de barbies de mi amiga, el coleccionismo no se limita a ser una actividad con la que acumular “tesoros” de un tipo u otro. Quedarse sólo en eso es decir que el coleccionista es una especie de enfermo de Diógenes, un gólum en constante búsqueda del último Damien Hirst o de la edición limitada de Barbies por Christian Louboutin.

El coleccionismo denota una manera de pensar, de sentir y por supuesto una manera de definir la belleza. Decía Oscar Wilde que todo arte es completamente inútil y que la única disculpa de haber hecho
una cosa inútil es admirarla intensamente. Pues eso, si el arte es inútil y tan sólo es perdonable en la manera en que se admira intensamente, el verdadero coleccionista es aquel que admira hasta el extremo su colección. Lanzarse al coleccionismo pensando únicamente en la revalorización de la obra o el ahorro en impuestos, eso tiene otro nombre (¿especulación?), pero desde luego poco tiene que ver con el espíritu del coleccionista que admira y se sobrecoge ante su colección.

Posted by: artyana Laura García Aranda

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